Jean-Michel Quirion – The Belgo Report https://www.thebelgoreport.com News and reviews of art exhibitions in the Belgo Building Mon, 12 Feb 2018 15:56:26 +0000 en-US hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.4.2 SKOL / PETITES INCARNATIONS (SUITE) PAR BARBARA CLAUS https://www.thebelgoreport.com/2017/04/skol-petites-incarnations-suite-par-barbara-claus/ https://www.thebelgoreport.com/2017/04/skol-petites-incarnations-suite-par-barbara-claus/#respond Fri, 21 Apr 2017 15:24:27 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5893 Barbara Claus
Petites incarnations (suite)
Centre des arts actuels SKOL
Du 6 mars au 22 avril 2017

« Je me demande comment honorer le travail à l’atelier à une époque d’hyper-connectivité et de vitesse. L’atelier n’est pas un espace acquis, trop souvent il persiste à n’être qu’un lieu précaire… Le travail est plus mobile, par les résidences de création, plus fluide, par les réalisations in situ. Pourtant la pratique d’atelier idéale demeure encore pour moi un espace sacré de concentration, un lieu de silence, voire d’extraction du monde autant qu’un espace de rituels. J’ai ce désir de mettre à nu ces idées, comprenant les failles potentielles du processus, les moments d’hésitations… par l’incarnation du travail dans le corps et l’espace réel, imaginaire et symbolique ».

— Barbara Claus

Dans son plus récent projet in situ, Petites incarnations (suite), actuellement présenté au Centre des arts actuels Skol depuis le 6 mars, l’artiste montréalaise, Barbara Claus, travaille à même l’espace.

Au moyen d’une dimension performative indirecte et d’une instigation du lieu d’exposition, son processus demeure éminemment intime, voire réservé et privé. Lorsqu’aucun visiteur n’est dans la salle, elle intervient et quand un visiteur arrive, elle s’arrête et l’invite à enlever ses chaussures afin de le laisser entrer dans son « atelier ». D’un voyage au Japon, Claus rapporte des coutumes culturelles et des influences diversifiées. La tradition japonaise veut que l’on se déchausse lorsque l’on entre dans un domicile, que ce soit chez soi ou chez quelqu’un d’autre. Cette coutume ne se borne d’ailleurs pas qu’aux maisons et aux appartements, mais également à certains endroits publics, tels les musées et les galeries. En ce sens, deux possibilités s’offrent au visiteur : il peut soit retirer ses chaussures et entrer à l’intérieur de l’atelier immersif, soit s’assoir sur un banc afin de contempler le tout de l’extérieur. Une division brute et non terminée délimite l’espace sacré de concentration, ce lieu de « rituels ».

L’espace devient monographique. L’artiste l’habite, se l’approprie et le transfigure par des codes symboliques. Dans celui-ci, elle travaille le rôle de la lenteur dans un monde où tout semble accélérer. Barbara Claus aborde maints thèmes, tels que la mémoire, l’éphémérité et la mort. S’inscrivant dans un processus imbu d’hésitations, entre construction et destruction, les traces apparaissent au moyen de détournements comme l’accumulation et le retrait de matières dissemblables. Le résultat est précaire puisque rien n’est permanent ; tout est momentané et spontané. L’artiste va à l’encontre de la pérennité et de la durabilité en travaillant à l’aboutissement de l’inabouti.

Dans la salle de Skol, quatre cloisons en perpétuelle évolution s’enchainent. Le mur initial — Monument I — est tapissé de minces feuilles d’aluminium superposées. Le mot « MORTE » y est creusé et parsemé de coruscations ; de distinctes réverbérations. La surface métallique reflète le mur parallèle — Monument II — qui est entièrement recouvert de cire d’abeille. Une succession de fines couches donne à la matière une couleur jaune saturé. L’odeur de miel est omniprésente.

À l’opposé, par des Lignes de feu, Claus tente d’imiter la technique utilisée dans ses livres d’artiste : le découpage d’entailles délicates, ensuite brulées. Alors que chaque imperfection fait intégralement partie du processus, des lignes horizontales évident le plâtre de la cloison. Sur la paroi adjacente — La ruine —, l’artiste perfore d’innombrables petits trous et recouvre l’entièreté de la surface de graphite. Le mot « RUINE » s’y immisce, peint d’un ton spéculaire. Ainsi, la multitude des textures, par différentes étapes, contribue à l’état transitoire que Claus offre au visiteur.

Le 22 avril prochain, dernier jour du projet, un finissage et un démantèlement collectif sont prévus. Chaque passant partira avec un élément de ce cadre d’extraction.

 

L’évolution du travail de l’artiste est disponible sur son site web.

]]> https://www.thebelgoreport.com/2017/04/skol-petites-incarnations-suite-par-barbara-claus/feed/ 0 Arprim / Il faut qu’elle sache de Sophie Jodoin https://www.thebelgoreport.com/2017/04/arprim-il-faut-quelle-sache/ https://www.thebelgoreport.com/2017/04/arprim-il-faut-quelle-sache/#respond Wed, 05 Apr 2017 05:38:59 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5826 Sophie Jodoin
Il faut qu’elle sache
Arprim — centre d’essai en art imprimé
Du 17 mars au 22 avril 2017

Depuis le 17 mars dernier, Arprim — centre d’essai en art imprimé — présente une exposition au contenu intimiste, par l’artiste montréalaise Sophie Jodoin.

La pratique multidisciplinaire de Sophie Jodoin combine le dessin, la photographie, le texte, le collage, l’objet déniché, et la vidéo. Ici, l’artiste travaille les mots et canalise l’identité féminine, l’absence, et le langage[1].

Dans Il faut qu’elle sache, un livre didactique sur la médecine est intégralement décomposé — ses pages détachées, analysées, notées, puis minutieusement sablées. Seulement quelques mots échappent à cette dématérialisation : il faut qu’elle sache. Ces mots — possibilités infinies — sont les prémisses d’un long récit portant sur une femme anonyme dont on ignore le passé, le présent et le futur.

Par un processus de soustraction, le livre désuet s’amorce différemment. Il s’ouvre à la reconstruction par ses mots initiaux desquels émane un dialogue sans révélation, « sans intrigue et sans dénouement »[2]. Par le procédé de la disparition, les notions deviennent poétiques et les photographies médicales troubles. La figure humaine, la représentation du corps qui est omniprésente dans les productions antérieures de l’artiste, résiste à l’effacement. En transparence, les traces anatomiques submergent du verso des pages et les mots disséminés s’y juxtaposent.

Dans l’espace d’Arprim, quatre-vingts pages sont déployées. Les phrases concises se succèdent et s’enchainent, les unes après les autres, sur une table démesurée qui occupe au long la galerie. La table, bien qu’imposante, est entièrement recouverte d’un grand pan de papier clair qui s’assimile à la blancheur de l’espace. Les pages jaunies et la surface du support instaurent un contraste de matières efficient.

En ce sens, par l’expographie sobre et légère, le contenu de l’œuvre est signifiant, il prime. Lire chacune des pages et chacun des mots devient indéniable, de même qu’inévitable.

Il faut qu’elle sache, une exposition à lire et à voir, jusqu’au 22 avril !

Site web de Sophie Jodoin

[1] Tiré du communiqué de Arprim, Sophie Jodoin, Il faut qu’elle sache.
[2] Idem.

]]> https://www.thebelgoreport.com/2017/04/arprim-il-faut-quelle-sache/feed/ 0 Skol / Paysage interne https://www.thebelgoreport.com/2017/02/skol-paysage-interne/ https://www.thebelgoreport.com/2017/02/skol-paysage-interne/#respond Sat, 25 Feb 2017 15:08:56 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5751 Monif Ajaj, Aiham Dib, Reem Al Ghazzi, Randa Madda, et Muzaffar Salman
Paysage interne
Centre des arts actuels Skol
Du 12 janvier au 25 février 2017

« Au Canada, comme ailleurs, peu de créations contemporaines syriennes ont été présentées et la Syrie n’apparaît qu’à travers le prisme des images télévisées, dans sa nudité crue, dévastée par la guerre. Près de six ans après le début des premières manifestations, il est difficile de prendre de la distance et de pouvoir parler d’une nouvelle forme artistique. Il s’agira donc plutôt de montrer ce que des artistes syriens aujourd’hui donnent à voir en cette période de chaos » [1].

– Delphine Leccas, commissaire

Delphine Leccas est cofondatrice de l’association IN (AIN), ayant pour objectif de soutenir la création contemporaine. Elle réside à Damas en Syrie durant près de 15 ans — de 1998 à 2011 —, où elle est responsable de la programmation culturelle du Centre Culturel Français de Damas. Leccas y organise chaque mois des expositions individuelles afin de soutenir la reconnaissance de l’émergente scène artistique syrienne et créer le premier festival de photo et de vidéo de Damas : Les Journées de la Photographie. En 2008, elle est programmatrice des expositions dans le cadre de Damas Capitale Arabe de la Culture, puis elle organise la première édition d’un festival indépendant à Damas : Visual Arts Festival Damascus. La manifestation est présentée sous forme itinérante, de 2010 à 2015 dans d’autres villes de la Syrie. Depuis, elle est commissaire et co-commissaire de diverses expositions collectives présentées à l’internationale. Dernièrement, elle soumet le projet d’actualité au Centre des arts actuels Skol, de l’édifice Belgo à Montréal — exposition acclamée par l’ensemble de la métropole pour sa grande portée significative en ce temps d’assauts et de perturbations mondiales[2].

Paysage Interne permet de défier l’indifférence et l’insensibilité, de même que de ressentir la situation en Syrie par le biais de créations d’artistes syriens, et non pas à travers des images médiatiques du pays dévasté par la guerre. Le projet propose d’en apprendre davantage sur le contexte déconcertant, ainsi que sur ses habitants démolis. Les cinq œuvres de Monif Ajaj, Aiham Dib, Reem Al Ghazzi, Randa Maddah, et Muzaffar Salman témoignent d’une certaine délicatesse par la fragilité des matériaux et l’intimité des contenus. Ils illustrent avec dévotion et pudeur, la violence comme le chaos des manifestations et conflits alarmants.

L’exposition s’amorce avec l’œuvre immersive projetée sur toile, Light Horizon (2012) de Randa Maddah. L’artiste donne à voir les décombres d’une maison, aujourd’hui inhabitée et détruite. Dans la scène, un pan de rideau vole au vent, une femme s’introduit dans le cadre. Elle tente de balayer et de laver le sol couvert de détritus, puis y installe un tapis ainsi qu’une table ornée de chaises, et enfin s’assoie en regardant le paysage que laissent entrevoir les ruines. Le contraste scénique et la série de gestes empreints d’humanité démontrent le quotidien et les habitudes remaniées des résidents syriens face à la consternation.

L’œuvre de Reem Al Ghazzi, Damascus Rain (2013), une vidéo concise présentée en répétition, renvoie à une nuit à Damas durant laquelle les clapotements de la pluie relayent les bruits sourds de tirs d’armes et d’explosifs. La dialectique entre la trame sonore déflagrante, la scène trouble éclairée par les lumières de la ville et l’effet de boucle, établit instantanément une forme d’angoisse chez le visiteur. Il est pratiquement impossible d’écouter l’extrait en reprise…

Les photographies habitées par la présence humaine de Muzaffar Salman, bien qu’elles contrastent avec les paysages en attentes et en absences de vie de l’artiste Aiham Dib, témoignent pourtant d’une logique — d’une tension insaisissable. De part et d’autre, Salman est photographe pour le quotidien syrien Al-Watan, puis pour The Associated Press, et est engagé depuis 2013 afin de couvrir le conflit à Alep. Dib, quant à lui est photographe pour l’Office national du cinéma syrien.

L’enfilade de dessins expressifs et ardents de Monif Ajaj se compose de personnages déconstruits, de véhicules militaires brisants et d’explosions qui offrent une perspective différente à la photographie documentaire. Les sujets émanent de l’artiste, les traits brusques définissent son état d’âme, ses traumatismes. Ses dessins subjectifs deviennent alors des transpositions personnelles des impasses de la guerre.

L’expographie sans artifice, initiée par Leccas, permet aux visiteurs de se projeter dans les situations que propose chacun des cinq projets. Dans la circonstance de crise actuelle à l’égard des réfugiés syriens, entre autres par les diverses astrictions politiques en cours aux États-Unis, la visite de Paysage Interne est requise. L’exposition permet d’observer intimement ce territoire — de transposer et reconstituer le paysage concret du pays et non pas celui obscène, ou en surface que suggère constamment les médias par des images d’une extrême violence.

[1] Tiré du communiqué de Skol, Exposition de groupe, Paysage interne.
[2] Idem. 

]]> https://www.thebelgoreport.com/2017/02/skol-paysage-interne/feed/ 0 Galerie Hugues Charbonneau / Recomposer la ville – Space for Agency https://www.thebelgoreport.com/2017/02/galerie-hugues-charbonneau/ https://www.thebelgoreport.com/2017/02/galerie-hugues-charbonneau/#respond Thu, 02 Feb 2017 04:22:19 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5709 Isabelle Hayeur, Maria Hupfield, David Lafrance et Alain Paiement
Recomposer la ville – Space for Agency
Galerie Huges Charbonneau
Du 25 janvier au 4 mars 2017

En ce début de 2017, année honorifique et commémorative des 375 ans de la ville de Montréal, la Galerie Huges Charbonneau instaure sa nouvelle exposition Recomposer la ville — Space for Agency, constituée d’Isabelle Hayeur, Maria Hupfield, David Lafrance et Alain Paiement. Les œuvres y interrogent les notions de « public » et de « collectif ». Par l’exposition et son contenu, la galerie suggère divers questionnements sur l’occupation du territoire urbain : les pouvoirs en place ; les stratégies citoyennes de résistance et d’engagement ; les implications du vivre ensemble — voire de sa possibilité dans certains contextes politiques actuels[1]. Sous deux vecteurs en constante dialectique, les artistes de l’exposition offrent un apport critique qui aborde différemment les célébrations de l’anniversaire de la ville. D’une part, ils réimaginent la topographie de celle-ci, et d’autre part, ils invitent à penser de quelles façons l’on peut se réapproprier socialement et culturellement son environnement[2].

Dans l’exposition, Isabelle Hayeur propose deux œuvres. La première, une photographie de la série Nuits américaines, Day Trading (2006), révèle le chantier de construction d’un édifice simulé, sans fonction précise, obtenu par de multiples manipulations digitales. Les effets de perspectives complexes, toutes factices, troublent le discernement de ce qui réel ou irréel dans la composition. La seconde, la vidéo Pulse (2015), est en corrélation avec les manifestations et bouleversements entamés par la grève étudiante du printemps 2015 et toutes autres luttes sociales dénonçant les mesures d’austérité néolibérales ou les écrasements de la liberté politique ressentis au Québec. L’artiste y a reconstitué un amalgame d’images trouvées et captées par elle-même, offrant une réactivation séquentielle des oppressions.

Maria Hupfield quant à elle, expose son révélateur projet Survival and Other Acts of Defiance (2011). Dans la vidéo, l’artiste s’objective en sautant en récurrence avec des bottes ornées de multiples grelots en étain qui provoquent un son affirmatif. Par son corps en réitération et l’action en perpétuelle répétition, elle atteste son statut de femme autochtone en renégociation avec son environnement — urbain ou naturel. Dans ce « rituel », elle y conteste des notions de sa démarche relatives à la mémoire culturelle et l’identité. À l’échelle humaine par son format, l’œuvre est accompagnée d’un X au sol, incitant ainsi le visiteur à s’y joindre, et à s’y positionner. L’immersion directe provoque l’effet momentané et immédiat de la performance.

David Lafrance présente des sculptures de bois en ronde bosse, desquelles les formes sont dégrossies par taille directe, puis assemblées et peintes. Issue de la série Place publique (2016), les deux œuvres Place publique 1 et 4, suggèrent des projets d’urbanistes imaginaires. Formellement par leurs structures en étagement, les miniatures rappellent des aménagements autour desquels se rassemblent les citadins. Toutefois, la blancheur de ces places subtiles se retrouve troublée par des éclaboussures monochromes alliées à l’ajout de croquis botaniques démesurés. Le résultat de chacune des compositions instaure des espaces publics fictifs, ternes et inquiétants.

Alain Paiement offre pour sa part une production issue de son plus récent corpus, Voisinage contextuel (2016). La photographie s’ouvre sur un espace, une carte de la métropole non pas fonctionnelle, plutôt surabondante et disproportionnée. La cartographie montre d’un point de vue aérien des humains qui habitent les quartiers de la ville, et qui l’animent collectivement au quotidien dans l’instantanéité.

En définitive, la galerie recompose le paysage de l’art contemporain, celui de sa ville et de l’Édifice Belgo : Montréal. La sélection des artistes n’est pas hasardeuse, chacun a une proximité particulière avec la métropole — qu’il la fréquente, y travaille ou y habite. Les œuvres, bien que différentes, les unes et les autres, témoignent d’une ville imaginée et réappropriée par ses occupants. Le déploiement expographique sobre et habile confère à un dialogue cohérent et unifie les pratiques distinctes des artistes. Recomposer la ville — Space for agency ne catalyse pas qu’une critique, mais un regard pluriel sur un espace et sa population…

[1] Tiré du communiqué de la Galerie Hugues Charbonneau, Exposition Recomposer la ville – Spaces for Agency
[2] Idem.

]]> https://www.thebelgoreport.com/2017/02/galerie-hugues-charbonneau/feed/ 0 Galerie Trois Points / Retour sur CHAMP D’ACTIONS de Sylvain Bouthillette https://www.thebelgoreport.com/2016/11/galerie-trois-points-retour-sur-champ-dactions-de-sylvain-bouthillette/ https://www.thebelgoreport.com/2016/11/galerie-trois-points-retour-sur-champ-dactions-de-sylvain-bouthillette/#respond Tue, 08 Nov 2016 03:41:51 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5609 Sylvain Bouthillette
CHAMP D’ACTIONS
Galerie Trois Points
10 septembre au 29 octobre 2016

«CHAMP D’ACTIONS pourrait se résumer par cette phrase :  “Rien n’est fixe, rien n’est stable, réjouissez-vous”. Cette exposition tentera de démontrer que l’individu est une partie intégrante de l’inexpressible, de l’impensable et de la totalité».

Après quatre ans, la Galerie Trois Points consacrait une toute nouvelle exposition solo à l’artiste Sylvain Bouthillette du 10 septembre au 29 octobre 2016. CHAMP D’ACTIONS, se voulait l’aboutissement de son plus récent corpus, délaissant quelque peu ces approches précédentes aux rapports anthropomorphiques déjà amplement explorés.

Bouthillette par ses dernières œuvres pluridisciplinaires, tend à attester une multitude de formes de libération instables, telles; le ridicule, l’impermanence, la confusion, l’ambigüité et l’embarras. Dans ses panneaux monochromes de bois peints, l’utilisation de la superposition et la répétition du même mot, propres au vocabulaire formel de l’artiste se veut une reprise. Cependant, les mots autrefois jurons sont remplacés par des mots aux portées significatives, telles «sans peur», «vide, vide, vide» ou encore «complètement vide». Les jeux de distorsions dans les formules de répétitions sont accentués par des accumulations excessives où les mots se juxtaposent, se perdent et deviennent parfois illisibles. Les effets de perspectives rappellent celles de Jasper Johns; l’influence du Pop s’y ressent considérablement.

L’artiste poursuit par ailleurs sa recherche autour de formes morphologiques et déconstruites, ramenant celle du crâne. Des réseaux de lignes s’entrecroisent, des points se succèdent, tous vers un centre agissent sur notre être tel un processus radiesthésique[1]. Toujours, en arrière-fond, la présence du texte est omniprésente, blanc sur noir, rappelant ainsi son langage esthétique. Cette série de tableaux est d’une grande pertinence, elle résulte de diverses expérimentations et les recherches contentieuses de l’artiste s’y ressentent conceptuellement et formellement.

Par des mécanismes détournés de leurs sens et de leurs finalités, Bouthillette présente des œuvres en action qui engendrent une forme de décadence. Momentanées et mouvantes, ses pièces tridimensionnelles ajoutées à sa série de tableaux apportent un aspect dérisoire et à la fois lyrique. Deux œuvres, l’une au mur, l’autre sur un support à même le sol. Elles présentent le même rendu — un système motorisé frappe un visage d’un coup de gant qui va et vient. Le visage moulé et dupliqué est celui de l’artiste. L’émotion sereine et calme de celui-ci, créer un antagonisme intéressant envers les fessées infiniment infligées. L’autodérision de l’artiste est éminente. Une autre pièce en action propose une anatomie masculine déformée, se balançant telle une pendule. Œuvres ludiques, elles engendrent tout type de réactions chez le spectateur.

Cela dit, bien que l’exposition soit terminée, la Galerie Trois Points offre la possibilité de voir ou revoir celle-ci à même ses archives. La mise en espace pétulante proposait d’intéressants parallèles entre chacun des travaux, ainsi que des dialogues par les diverses catégorisations et la classification de son corpus aux signatures distinctes. Bref, une autre exposition réussie pour l’iconique galerie du Belgo.

Sylvain Bouthillette détient une maîtrise en arts visuels de l’Université Concordia. Il a largement exposé au Québec, au Canada et à l’étranger, notamment à Reims (France), à Bâle (Suisse), au Musée national des beaux-arts du Québec et au Musée d’art contemporain de Montréal. Le Musée régional de Rimouski et le Centre Expression de Saint-Hyacinthe ont conjointement organisé une importante exposition de son travail qui a ensuite voyagé au Canada entre 2006 et 2008. Son travail est largement représenté dans les différentes collections muséales et corporatives, notamment celles du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Caisse de dépôt et placement du Québec, du Cirque du Soleil, de la Banque Nationale du Canada, de Loto-Québec, la Ville de Montréal et d’Hydro-Québec[2].

[1] Emprunté du communiqué de l’exposition, le terme radiesthésie est un procédé divinatoire de détection reposant sur la croyance selon laquelle les êtres vivants seraient sensibles à certaines radiations qu’émettraient différents corps, permettant ainsi de localiser des sources, retrouver un objet perdu, un trésor ou une personne disparue.
[2] Biographie tirée du site web de la Galerie Trois Points, Sylvain Bouthillette

]]> https://www.thebelgoreport.com/2016/11/galerie-trois-points-retour-sur-champ-dactions-de-sylvain-bouthillette/feed/ 0 SKOL / Retour sur Heterotopias de Desirée Holman https://www.thebelgoreport.com/2016/10/5554/ https://www.thebelgoreport.com/2016/10/5554/#respond Tue, 18 Oct 2016 15:09:56 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5554 Desirée Holman
Heterotopias
Centre des arts actuels Skol
15 septembre au 15 octobre 2016

Durant 30 jours, du 15 septembre au 15 octobre dernier, le Centre des arts actuels Skol présentait l’œuvre multimédia Heterotopias de l’artiste californienne Desirée Holman.

Le titre de l’exposition, également celui de l’œuvre, emprunte le terme et les notions de l’hétérotopie. Ce concept forgé par Michel Foucault en 1966 lors de la conférence Des espaces autres désigne des contre-emplacements, espaces situés dans les sociétés, créés et représentés par celles-ci, dont la fonction est de contester ou inverser les espaces réels[1]. Lieux imaginés afin d’échapper au réel, au quotidien ainsi qu’à sa banalité ordinaire, parfois dysfonctionnelle et complexe, ces contre-emplacements sont construits en opposition à des espaces utopiques, pragmatiques, idéalistes, irréels ; des espaces sans chronologie qui n’existeront jamais. Autrement, l’hétérotopie est le « lieu autre » par opposition au « lieu sans lieu » de l’utopie ; c’est un espace microcosme, une représentation analogique d’une image réduite de la société, comme d’un individu, situé dans le réel de notre vie et projeté dans un déplacement temporel aux possibles décalages de passés et de futurs, de lieux et de lieux sans lieux. La conception de ces emplacements hétérotopiques a dépassé en quelque sorte le cadre mental depuis l’avènement de réalités complexes, alternatives et immersives par le biais de la technologie. La réalité virtuelle est prédominante et augmentée, les espaces imaginés aujourd’hui sont souvent simulés par le biais de téléphones intelligents ou d’ordinateurs.

Desirée Holman cherche véritablement un monde au sein de notre monde ; des sites de transgression, à la fois de conflits et de jeux. La vidéo multisensorielle établie des corrélations entre la performance comme le théâtre sous la forme d’une démarche collaborative à l’intérieure de laquelle des participants assemblent et fondent une quantité innombrable de références culturelles et visuelles pour inventer leur soi imaginaire. L’œuvre créée en 2011 a été exposée à de multiples reprises entre autres au Berkelet Art Museum, ainsi qu’au Headlands Center for the Arts de Californie.

Dans la vidéo, l’artiste a demandé à neuf interprètes de canaliser leurs désirs individuels, envies personnelles ou récits fantasmés afin de créer pour chacun, une identité subjective. Elle a imaginé l’œuvre par l’idée d’une narration houleuse construite d’éléments s’appelant et s’opposant parfois les uns les autres, dans un principe d’action-réaction. La trame narrative propose des avatars personnifiés aux allures de superhéros mythiques comme transcendants, par des costumes et accessoires qui se composent de divers signes archétypaux repérables pour chacun d’entre eux. Ces habillements cloisonnent ceux-ci à travers des divisions physiques et culturelles, ici leurs échappatoires, relevant des vérités internes rarement projetées dans la réalité quotidienne. Ils émergeaient seuls devant les toiles de fond de leurs propres contextes lyriques ou encore en groupe dans un espace commun, rose, où ils dansent différentes chorégraphies et simulent des batailles. Tous dotés d’une aura rose, apparente à un ectoplasme spirituel, l’artiste s’en sert à titre d’ombre psychologique. Une approche picturale traditionnelle montre les réalités physiques des performeurs devant leur ordinateur. Le processus expérientiel de Holman qui démêle l’analogique et le numérique permet un parallèle radical entre la réalité de leurs environnements quotidiens et domestiques, jusqu’aux espaces hétérotopiques issus de leur imaginaire. Des cadres émergent en juxtaposition, dévoilant une évolution physique par la modélisation 3D. La bande sonore et plus particulièrement le refrain « We go all the way » extrait de la chanson Egineering par Tartufi, transporte les personnages dans l’œuvre comme les spectateurs devant celle-ci, entre conflit et unité, réalité et irréalité.

À l’intérieur de la galerie de Skol, salle entièrement consacrée à l’œuvre, les visiteurs étaient confrontés à un triptyque vidéo. Immersives par la mise en espace à l’échelle humaine, les performances virtuelles devenaient incontestablement interactives. Elles pouvaient être saisies d’une contemplation affective par l’expérience individuelle ou collective. Les projections offraient un rapport particulier avec les neuf emplacements contestateurs du réel ; invitant à réfléchir et à se délecter par l’imagination de notre propre « lieu autre ». Exposition divertissante, elle faisait écho à l’expérimentation et la prise de risque, valeurs soutenues par le centre.

L’oeuvre peut être visionnée sur le site web de Desirée Holman.

Desirée Holman est une artiste basée à Oakland, en Californie. Elle est détentrice d’une maitrise de l’Université de Californie à Berkeley. Son travail, salué par la critique, a été récompensé par le San Francisco Modern Museum of Art SECA Award en 2008, et par l’Artadia Fund for Art and Dialogue Award en 2007. En 2016-2017, elle retournera au SFMOMA comme chercheuse au département de cinéma et de performance, où elle réalisera une œuvre commandée. Elle a présenté des expositions individuelles au Centre des arts actuels Skol, à Montréal (2016), au Black Cube Nomadic Museum, à Denver (2015), au programme MATRIX du Berkeley Art Museum (2011) et au Hammer Museum, à Los Angeles (2009), entre autres. Elle a exposé à l’international, notamment au Musée d’art moderne de Sao Paulo, au Kunstlerhaus Bethanien de Berlin, à BnD, à Milan, et à YYZ, à Toronto. Des critiques de son travail sont parues dans Artforum, Los Angeles Times, NY Arts, Artillery, San Francisco Chronicle et Artweek. Elle est représentée par la galerie Aspect/Ratio, à Chicago[2].

[1] Michel Foucault. 1984. Dits et écrits, « Des espaces autres », n. 360, p. 752-762.
[2] Biographie tirée du site web de Skol, programmation, Desirée Holman.

]]> https://www.thebelgoreport.com/2016/10/5554/feed/ 0 Circa / Le meilleur des mondes de Erika Dueck et Mathieu Valade https://www.thebelgoreport.com/2016/09/5497/ https://www.thebelgoreport.com/2016/09/5497/#respond Sat, 24 Sep 2016 21:04:29 +0000 http://www.thebelgoreport.com/?p=5497 Erika Dueck et Mathieu Valade
Le meilleur des mondes dans le cadre de la septième Biennale nationale de sculpture contemporaine
CIRCA art actuel
20 juin au 10 septembre 2016

Le 10 septembre dernier se terminait l’exposition Le meilleur des mondes, dans le cadre de la septième Biennale nationale de sculpture contemporaine, portant le même nom, au Centre d’exposition CIRCA art actuel. La BNSC se déroulant principalement dans la ville de Trois-Rivières avait toutefois un pôle à Montréal dans l’iconique édifice du Belgo. Aux alentours de l’évènement central, une cinquantaine d’artistes s’investissaient dans les expositions parallèles.

En 1932, Aldous Huxley a écrit Le meilleur des mondes, un roman d’anticipation à la fois dystopique et visionnaire dans lequel l’auteur imaginait une société future. Aujourd’hui, à l’instar d’Huxley, quel monde augurer ? Quel monde actualiser, idéaliser ou simplement inventer ? Utopique ou rationnel ?

L’exposition chez CIRCA offrait la découverte de deux types de monde — isolés et fabriqués —, réfléchis selon deux différents artistes, par l’entremise de mises en scène mirifiques, comme intrigantes.

Erika Dueck, artiste originaire du Manitoba, crée des agencements intérieurs miniatures qui explorent la façon dont nous percevons et interprétons la réalité. Pratique courante dans sa démarche, elle propose des mondes confinés, retirés de leur environnement et qui existent indépendamment des structures physiques les entourant. Dans son installation Through Still Wanderings, présentée au Centre CIRCA, l’on retrouvait des mises en scène qui semblaient être tirées du roman. Ces œuvres deviennent des sortes de traductions tangibles, matérielles et sculpturales des lieux, tels que décrits et rêvés par l’auteur du récit. Dans l’une des deux pièces, Dueck propose la vue d’espaces complexes et réduits, remplis d’archives de tout genre, principalement en papier, qui rappellent les livres interdits chez Huxley. La perception des centaines d’écrits, tous positionnés dans de minuscules cabinets de rangement est déconcertante. Dans l’autre pièce se retrouvaient des modèles réduits de corridors aigres dans lesquels les intérieurs se confondent à l’espace. Ils deviennent des passages qui s’étendent vers des endroits éloignés, des boucles sans fin. Les rendus des œuvres à l’état maquette par la matérialité — où les fils de l’éclairage, fragments de ruban adhésif et résidus de colle sont apparents, rendant celles-ci fragiles et étrangement sensibles. Les dispositifs de présentation simples s’intégraient à l’ensemble de l’installation.

Mathieu Valade, artiste du Saguenay-Lac-Saint-Jean, proposait un projet inspiré d’un lieu du roman Le meilleur des mondes ; celui où les fœtus grandissent dans des bocaux. Cette image mythique est aussi présente sur les différentes éditions des couvertures du roman. L’installation Post-Romantique de Valade se rapproche de ce lieu dans sa forme extérieure. Elle se compose d’une série de douze prismes de verre dépoli, tous identiques, rappelant les fameux bocaux. La surface floue et embrouillée des primes offre des compositions ambigües ainsi qu’effacées. Ces formes, à la fois compositions sculpturales d’un ensemble d’éléments inanimés tendent vers la représentation traditionnelle et hégémonique des natures mortes. Le contenu des prismes ne réfère toutefois pas à l’ouvrage littéraire. Par l’intégration d’objets contemporains divers qui semblent issus d’un univers kitsch : ballons colorés, fleurs et plantes de plastiques, vases et multiples objets orientaux. Ceux-ci peuvent référer aux notions de vanitas et de memento mori, deux représentations artistiques privilégiées pour représenter symboliquement la mort, par la destruction de la matière.

Dans le contexte de cette thématique, la scénographie, bien que sobre, offrait toutefois une expérience inattendue. Dans le cas de Dueck, la construction miniature, ce puits infini submergé de livres et d’archives aux formats dérisoires, troublait la perspective du regardeur. L’ensemble des microscopiques objets semblait inaccessible. Pour Valade, les boites de verre embrouillé obstruaient la perception des objets cloitrés.

L’exposition Le meilleur des mondes demeure avant tout l’expérience d’une proximité dans deux univers fictifs, inspirés d’un roman à succès où vivre est impossible…

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Chercher des personnes, des lieux ou d’autres choses
Galerie B-312 et Les Territoires
14 juillet au 13 août 2016

Depuis quelques années déjà, durant la période estivale, la Galerie B-312 offre son espace pour divers projets d’atelier, de résidence ou de recherche. Le contexte d’exposition change et s’adapte, il devient alors celui d’un laboratoire ouvert à toutes possibilités d’explorations et d’investigations.

Cet été, la Galerie B-312 a accueilli le centre d’artistes Les Territoires le temps d’une exposition présentée du 14 juillet au 13 août dernier.

Depuis sa fermeture en octobre 2015, Les Territoires évolue de façon nomade, tout en poursuivant ses activités et en créant de nouveaux partenariats afin d’innover dans l’appui des pratiques émergentes. L’organisme a pour mandat de permettre aux artistes de développer leur début de carrière par le biais d’expositions et d’activités diverses de médiation et de mentorat afin de faciliter leur intégration au milieu de l’art actuel et de son marché[1].

Chercher des personnes, des lieux ou d’autres choses offrait un aperçu de la considérable et éminente influence qu’exercent les plateformes web sur l’architecture sociale et spatiale : «Héritiers de la révolution numérique du 21e siècle, certains des artistes des nouveaux médias font référence à Google Maps, Google Earth, Craigslist et les sites de réseaux sociaux ou utilisent les moteurs de recherche dans leur processus. Ni optimiste ni pessimiste à l’égard de ces technologies dont l’utilisation est souvent critiquée, l’exposition agit plutôt comme un constat des angoisses qu’elles suscitent, et des opportunités qu’elles offrent» [2].

L’exposition au titre inspiré de Facebook, Chercher des personnes, des lieux ou d’autres choses, présentait quatre artistes de la relève, tous de milieux différents. naakita feldman-kiss, artiste en art médiatique et performance, originaire de Montréal dont la pratique porte sur l’impact qu’ont les technologies sur les interactions sociales, sur la culture du partage et sur les différentes formes de traditions orales, proposait une Å“uvre déployée sur deux rouleaux de papier, ainsi que sous la forme d’un livre. Toward Be/Loging (2016) offrait des discussions extraites du mythique forum en ligne, Craigslist[3]. L’Australien Joe Hamilton, qui quant à lui travaille à partir de la technologie, collectionne des images afin de créer des compositions intrigantes et complexes, tel qu’en témoignait son Å“uvre cartographiée, à la fois structurée et déconstruite. Hou I-Ting de Taipei en Taïwan, artiste qui exploite les images numériques et l’art vidéo afin d’évoquer le corps humain tel qu’il est figuré dans notre société actuelle, présentait Neither of Us : The Relation of Non-Territory (2013). L’œuvre était une vidéo hybride et déconcertante, formée de différents collages d’images provenant d’Internet. Enfin, Brianna Lowe, artiste multidisciplinaire torontoise, qui porte un regard sur l’espace représenté à travers différents médias numériques, l’animation tridimensionnelle, le collage numérique et la vidéo, montrait Neon Land (2014). L’œuvre répartie sur trois moniteurs étalait des images schématisées, rappelant des formes de pierres tombales, sur lesquelles se trouvaient des phrases simples, mais choquantes, écrites en «néons» lumineux. L’installation était accompagnée d’un contenu sonore.

Le commissariat était assuré par Corinne Beaumier et Fannie Gadouas, deux artistes et commissaires émergentes en début de carrière et établies à Montréal.

L’exposition «thématique» basée sur les connexions sociales, proposait quatre expériences distinctes, quatre œuvres représentant notre ère du numérique — ère d’individualisation, où les échanges sont virtuels et la proximité humaine se fait rare. Les œuvres permettaient une appréhension différente de la mutation numérique à laquelle nous sommes tous, de prêt ou de loin, confrontée. Une sorte de traduction par l’art, des mises en réseau planétaire des individus et de nouvelles formes de communications décentralisées.

En somme, Chercher des personnes, des lieux ou d’autres choses, est non seulement une exposition à mémoriser, mais un partenariat – une collaboration — entre une galerie et un centre d’artistes à maintenir et refléter.

[1] Les Territoires. http://lesterritoires.org/les-territoires/ (Consultée le 16 août 2016).
[2] Galerie B-312. Communiqué. http://www.galerieb312.ca/programmation/chercher-des-personnes-des-lieux-ou-dautres-choses (Consultée le 16 août 2016).
[3] Craigslist est un site web américain offrant des petites annonces ainsi que des forums de discussion sur différents sujets.

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SKOOL 2016 – Le Jardin : Laboratoire installation d’objets et de matières à réflexion
Centre des arts actuels Skol
13 juin 2016 au 22 juillet 2016

Avec les diverses transformations apportées au Centre des arts actuels Skol, entre autres en altérant celui-ci en espace d’exploration, de recherche et d’apprentissage dans un contexte d’atelier, le nouveau programme SKOOL permet à deux étudiant(e)s de niveau universitaire, d’expérimenter différentes formes d’organisation et de programmation avec l’aide des ressources du centre et d’un mentor.

Le Jardin est un laboratoire de recherche de six semaines se déroulant du 13 juin au 22 juillet. Dans un contexte d’atelier, Gabrielle Desrosiers et Timothy Schauer habitent et performent l’espace. Ils développent leur projet sous la forme d’une installation en perpétuelle évolution. À travers un processus de codification et collection, ces derniers explorent la notion d’existence dans l’éventail de ses réalités tangibles ou imperceptibles. Les objets et les maintes matières sont alors sélectionnés et disposés de manière intuitive, naïve et touchante. Les assemblages simples, mais fragiles par leurs matérialités forment des installations confinées et empreintes de sensibilité qui se transforment au fil des questions, réponses et interventions. Parfois détruites, les formes sculpturales résultent à d’inattendus restants. Isolé à l’intérieur d’un espace clos — quatre murs blancs sans fenêtre —, le duo veut comprendre l’immensité de l’existence : «Une problématique questionnant la mémoire et la perception, dissimulant la précarité et les sentiments sous l’exubérance et l’accumulation».

– Gabrielle Desrosiers et Timothy Schauer

Ouverte sur rendez-vous ou les mardis et jeudis de 13 h à 17 h,  l’exposition Le Jardin : Laboratoire installation d’objets et de matières à réflexion, permet aux visiteurs de s’y inviter et d’ainsi y déambuler. Dans le cadre de trois ateliers publics, l’expérimentation de l’unique laboratoire est amplifiée. Le 30 juin, l’atelier 1 Formes et assemblages, proposait la fabrication de séries de sculptures faites de matières et multiples objets isolés, par le biais d’une approche méditative du processus créatif. Les participants étaient invités à amener des choses avec lesquelles ils entretiennent un rapport particulier. Le 6 juillet, l’atelier 2, Collage et dessin, offrait la possibilité d’explorer les matières de façon intuitive. L’objectif était de créer le panorama que Le Jardin surplombe, les murs de la galerie sont devenus les canevas de ce paysage purement abstrait. L’atelier 3 du 14 juillet dernier, Laboratoire de performance, invitait les participants à explorer les lieux dans un contexte spontané. Les deux jeunes artistes ont alors tenté le jeu et la discussion sur la présence intangible de l’objet et la matière.

Enfin, le finissage du 21 juillet prochain, Rencontre dans Le Jardin, soulignera la fin de leur stage dans le cadre du notable programme SKOOL. Le public pourra marcher dans l’installation et y observer les éléments de recherche, s’inscrivant ainsi dans la nature performatrice de la résidence. Enfin, en conclusion de leur séjour au centre, la présentation de la performance OK, ON REMBALE!  se voudra un écho de l’ensemble de leur processus créatif développé à Skol.

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